Від Фра Анжеліко до Фортуни: камерні шедеври на виставці в музеї Прадо
Час: з 21 травня до 10 листопада 2013 року
Місце: Мадрид, Іспанія; музей Прадо (Museo Nacional del Prado)
Подія: Виставка «Ув'язнена краса. Від Фра Анжеліко до Фортуни »(La belleza encerrada. De Fra Angelico a Fortuny). Години роботи музею Прадо: з понеділка по суботу з 10:00 до 20:00, в неділю з 10:00 до 19:00.
Вартість вхідних квитків: вхідний квиток в музей Прадо (що дає також право на відвідування тимчасових виставок) коштує 14 євро. Для дітей молодше 18 років і студентів у віці від 18 до 25 років - безкоштовно, для відвідувачів старше 65 років - 7 євро.
З понеділка по суботу з 18:00 до 20:00 і в неділю з 17:00 до 19:00 постійну експозицію музею Прадо можна відвідати безкоштовно (квиток на виставку в ці години коштує 7 євро). Фотографувати в музеї Прадо заборонено.
Велика виставка малоформатних шедеврів
На новій великій виставці в мадридському музеї Прадо представлено 281 твір з його колекції: роботи Мемлинга, Босха, Патинира, Рубенса, Гойї та багатьох інших. Всі ці експонати об'єднує щось спільне: по-перше, невеликий формат (багато картин на виставці мають розміри не більше 30-50 см по одній стороні), а по-друге, витончена техніка, вишукана колірна гамма і наявність прихованих деталей, що запрошують глядача до більш пильного вивчення цих кабінетних картин, ескізів, камерних портретів, скульптур і барельєфів.
Одне із завдань виставки - показати, що, крім великоформатних грандіозних полотен, в Прадо є й інше мистецтво, відкрити, так би мовити, інтимну сторону цього музею.
Частина виставкового простору виділена під «хіти» музейної колекції, в тому числі роботи Фра Анжеліко, Босха і Дюрера. У той же час близько половини представлених робіт відносяться до числа тих, що в останні роки практично не можна було побачити в музеї Прадо: вони зберігалися в запасниках або інших музейних установах, покірно поступаючись місцем іншим, більш відомим і популярним шедеврів з постійної експозиції Прадо. При цьому не можна сказати, що мова йде про менш цікавих або менш прекрасних творах мистецтва.
Нова виставка в музеї Прадо стала результатом тривалої підготовчої роботи куратора Мануели Мена і директора Прадо Мігеля Сугаса, яким вдалося здійснити свою мрію про «створення одного музею всередині іншого». У світі дуже мало музеїв, яким до снаги таке завдання, але найбагатші фонди музею Прадо воістину невичерпні і таять в собі масу сюрпризів. Винятковість Прадо полягає в найвищій якості його колекцій, дивно гарному стані творів і різноманітності робіт, що збиралися протягом століть іспанськими монархами, а починаючи з XIX століття надходили до музею за рахунок цінних придбань і подарунків.
Виставка займає 17 залів, причому порядок розподілу робіт головним чином хронологічний: це подорож від італійського, французького та нідерландського мистецтва кінця XIV - початку XV століття до іспанського живопису кінця XIX століття. Опинившись в цьому щільному художньому просторі, відвідувачі зможуть жваво відчути хід часу, зв'язок минулого і сьогодення і оцінити унікальність і багатство колекції Прадо.
Гуляючи по виставкових залах, відвідувач може наочно познайомитися з історією мистецтва, простежити послідовність різних художніх шкіл, відчути відміну півночі від півдня, іспанців від італійців. Порівняння виразних засобів художників тих чи інших країн дозволяє виявити технічні й стилістичні подібності та відмінності в роботах видатних майстрів. Діалог, в який вступають твори, демонструє силу зовнішніх впливів або ж, навпаки, твердження самобутності.
У деяких випадках пріоритет віддається не самим художникам або конкретним образотворчим стилям, а тематиці творів, що спонукає глядача поміркувати над тим, як по-різному художники північних і південних країн розуміли одну і ту ж іконографію.
Таким чином, виставка дає комплексне уявлення про європейському мистецтві і його значенні, починаючи з епохи Середньовіччя і Ренесансу через бароко і рококо і закінчуючи натуралізмом XIX століття.
На виставці можна побачити, як релігійний живопис поступається дорогу міфологічних сюжетів, а в XVI столітті абсолютно самостійним жанром стає пейзаж. З самого початку присутній також жанр портрета, причому поряд з меланхолією, взагалі характерною для мистецтва і особистості будь-якого художника, у творчості європейських майстрів проявляється сатира і перейнятий іронією міркування про людську істоту або ж захоплене вихваляння влади.
Потім на передній план виходить зображення реальної повсякденному житті, народного побуту, що збігається з розвитком буржуазного суспільства в кінці XVIII століття.
У своїх роботах художники демонструють творчу уяву, а також віртуозне володіння технікою і новаторські здібності, які спонукають їх використовувати нові матеріали для досягнення певних ефектів. Так, дерев'яні дошки, на яких писали ранні майстра, поступаються місцем полотну, міді, жерсті, шиферним плитам або штучного каменю - матеріалами, кожен з яких задає особливий характер живописної поверхні, точно так само як мармур, алебастр, поліхромне дерево, глина і бронза визначають специфіку скульптури.
Музей Прадо зробив особливі зусилля для очищення та реставрації демонструються на виставці творів, щоб представити їх в належному стані, що дозволяє глядачеві побачити особливу красу, укладену в картинах і скульптурах цього формату.
Тільки при наявності ідеальних тональних співвідношень мальовничійповерхні і ідеальної прозорості лаку можна повністю оцінити точність мазка і, відповідно, відчути сенс і значення зображених фігур і жестів, поетичність пейзажів і жвавість натюрмортів.
Глядач може максимально тонко сприйняти цю інтимну, малоформатную і мініатюрну живопис лише в тому випадку, коли стан робіт дозволяє вловити первинний задум автора, причому це стосується як зразків найтоншої, детальної промальовування, так і робіт з певним ступенем абстракції і підкресленою виразності (як, наприклад , в деяких представлених ескізах).
До якості і красі творів додається ефектна організація виставкового простору, що містить елемент візуальної гри.
Зали поділені на невеликі «кабінети», а в стінах виконані різноманітні «віконця», через які зали та експонати як би повідомляються між собою, підморгують один одному. Цей оригінальний підхід ще більше підкреслює інтимний характер виставки і дозволяє найбільш повно зануритися в споглядання краси.
Заглянемо в виставкові зали
Відвідувачів виставки зустрічає зменшена римська копія знаменитої статуї Афіни Паллади роботи Фідія, зробленої для Пантеону. Вона запрошує прогулятися по іншим залам, наповненим скульптурою, ренесансної живописом, натюрмортами XVII століття і роботами більш пізніх епох.
У другому залі галереї малоформатних творів мистецтва відкриває розп'яття з гірського кришталю, міді і слонової кістки.
Тут також можна побачити новаторське «Благовіщення» Фра Анжеліко (повішене незвично високо, щоб відвідувачі звернули увагу на нижню частину картини) і невеликі переносні вівтарні образи з фігурами донаторов, в тому числі французьку анонімну роботу початку XV століття «Моління про чашу з Людовіком Орлеанским» з вишукано деталізованим пейзажем.
Ще одним прикладом ранньої релігійного живопису є «Заручини Марії» роботи так званого Майстра легенди св. Катерини. Тут на задньому плані видно звичайна вуличка фламандського міста.
Портрети тієї епохи в основному зображують монархів і аристократів. Святі і Богоматір постають на золотому фоні, а також у вишуканому обрамленні готичної і ренесансної архітектури, як на картинах Робера Кампена, Петрус Крістуса, Ганса Мемлинга і Андреа Мантеньї, або на тлі природного пейзажу, як у майстра з Хогстратен. Поруч можна побачити ранні приклади італійського живопису на тематику діянь богів і героїв, з гармонійними пропорціями людського тіла, елементами класичної архітектури, античними шатами і предметами.
У наступному залі представлена картина Рогира ван дер Вейдена «Оплакування Христа» (Piet à), яка, хоча і написана в середині XV століття, передбачає живопис нового століття. Старий порядок залишився в минулому, і художник вже більше не розглядається як людина приниженого, службового статусу.
Ось і Альбрехт Дюрер зображує себе на «Автопортрет» (1498) справжнім «князем мистецтва», джентльменом в модному і дорогому костюмі, перед вікном з видом на що йдуть вдалину Альпи.
У цю епоху Європа перестає бути центром Всесвіту, як і - в світлі відкриттів Коперника - сама Земля. Нові географічні відкриття пробуджують інтерес до Нового Світу, і на картинах починають з'являтися персонажі інших рас. Межі уявлень про світ розширюються, інтерес до зображення природи зростає, і приклад тому - картина Йоахіма Патинира «Харон, переплавляли через річку Стікс» ( «Харон перевозить душу в пекло»).
Під впливом подорожей до Італії Патинир і інші представники північного Відродження підхоплюють нові ідеї і починають включати в свої релігійні картини з фантастичними пейзажами в дусі Босха елементи натуралізму, тонкого безпосереднього спостереження природи. В світогляді того часу встановлюється двозначне, невизначене ставлення навіть до Бога, який бачиться джерелом «війни і миру, достатку і голоду». Фігура змученого Христа вже не сприймається однозначно як джерело розради для стражденного людства. Швидше, це уособлення очікує грішників кари на Страшному суді і неминучості пекла. Ця ідея, наприклад, простежується у відомій картині-стільниці Ієроніма Босха «Сім смертних гріхів» - композиції, багаторазово повторювалася потім послідовниками художника.
В іншому залі тон задає скульптурний портрет Філіпа II - ренесансного монарха, великого любителя мистецтва і покровителя художників. Бюст приписується італійському майстрові Помпео Леоні, одному з улюблених скульпторів короля. Приклад цього портрета переконує, що, як і у випадку з живописом, скульптура також може мати невеликий розмір, не втрачаючи при цьому своєї величі і прекрасно вміщаючись в інтимному домашньому інтер'єрі, присвяченому культу античності.
Серед робіт цього типу - «Поранений Мелеагр» італійського скульптора Сільвіо Козин, вишуканий зразок тосканського маньєризму. Скульптура, з властивим їй шляхетністю, була улюбленою формою мистецтва серед можновладців, оскільки могла ефективно використовуватися, щоб прославити правителів і увічнити їх риси. В епоху Ренесансу це поєднується з відродженням римського типу портрета, прикладом чого служить вищезгаданий бюст Філіпа II. Ще одна тенденція того часу був щеплений Дюрером інтерес до вивчення пропорцій людського тіла, регулярним зарисовкам з живою моделі або хоча б зі спеціальних манекенів, які були в майстернях художників і скульпторів.
Короткий період ідеальної класичної гармонії, відбитий в картині Рафаеля «Святе сімейство з ягням», знаходить ніжний відгомін в мініатюрному інтимному творі «Святий Іоанн Хреститель з агенціями» пензля Андреа дель Сарто, тоді як полотно Паоло Веронезе «Знаходження Мойсея» є даниною венеціанської любові до соковитої колориту і пишності.
Відкриття венеціанських художників в області світлотіні ілюструють такі картини, як «Поклоніння пастухів» Якопо Бассано і «Увінчування терновим вінцем» його сина Леандро Бассано, написане олією на сланцевої дошці.
Цей же матеріал використав італійський живописець Себастьяно дель Пьомбо в своєму творі «Несення хреста», що відрізняється похмурим, меланхолійним колоритом, якого наслідував іспанська майстер Луїс де Моралес (на виставці можна побачити його « Мадонну з немовлям »).
Характерні для маньєризму подовжені фігури, химерні неприродні пози, різкі вогненні кольори можна дізнатися в різноманітних творах північноіталійських школи, серед яких «Відпочинок на шляху до Єгипту» італійського художника Черано.
Зародження класичного натуралізму на початку XVII століття куратори виставки показують на прикладі творчості двох провідних італійських живописців тієї епохи: Аннибале Карраччі ( «Мадонна з немовлям і св. Іоанном») і Гвідо Рені ( «Мучеництво і слава св. Аполлонії»).
Окремий зал на виставці дозволяє познайомитися з самобутньою творчістю Ель Греко, що жив далеко від Риму і впливів Тінторетто і виробило новаторський експресивний стиль. Ель Греко був ще й своєрідним скульптором, якого зачаровував вражаючий натуралізм іспанської поліхромної дерев'яної скульптури.
У цьому ж залі демонструються портрети пензля Ель Греко, Веласкеса, Санчеса Коельо, Педро Орренте, Антоніса Мора - свідчення переходу від скрупульозної ренесансної спостережливості до специфічно барочному психологічного аналізу. Порівнюючи виставлені по сусідству картини, глядачі можуть помітити яскравий контраст між похмурими картинами іспанських художників, які зображали в основному страждання Христа, і легшою і барвистою манерою італійців, великих майстрів пропорцій і перспективи.
У живопису XVI століття також було поширено виготовлення зменшених копій великих вівтарних образів. Такі камерні молитовні картини призначалися для домашнього вжитку замовників. Прикладом є картина «Зняття з хреста» італійського художника Алессандро Аллорі, написана по міді (в кінці XVI століття подібні деталізовані, витончені роботи часто писали саме по мідній дошці, оскільки її гладка блискуча поверхня відмінно підходила для такого роду живопису).
Наступний розділ веде нас далі в цьому хронологічному подорожі по історії європейського живопису. Однією з головних зірок живопису XVII століття є Пітер Пауль Рубенс, чиї твори були присутні в колекції іспанських королів просто-таки в рекордній кількості. Серед всіх художників, які побували в Іспанії скільки-небудь істотне час, Рубенс був найбільшим, і саме його вплив зберігалося найдовше. Його художню освіту і ерудиція, поїздки в Італію, подорожі в якості дипломата для участі в мирних переговорах, його професійні та особисті успіхи і очевидна любов до мистецтва у всіх його проявах - все це робить Рубенса винятковим художником і людиною.
Побувавши в Італії, Рубенс ввібрав в себе уроки класичного мистецтва і одночасно засвоїв відкриття нових італійських і зарубіжних майстрів (наприклад, новації Ельсхаймер з його поетичними пейзажами і нічними сценами з тонкими світлотіньовими переходами).
Прославлений Рубенс щедро ділився з учнями своїми знаннями і підтримував молодь. Він також охоче співпрацював з іншими художниками, в тому числі з Яном Брейгелем Старшим, спільно з якою було написано цілий ряд картин, в тому числі з циклу «П'ять почуттів» (Брейгель в цьому творчому тандемі відповідав за виконання пейзажів, квітів і тварин).
У наступному залі, під пильним меланхолійним поглядом «Філософа» пензля Саломона Конинка, розгортається цілий ряд натюрмортів з черепами і квіткових композицій у жанрі Vanitas (по-латині «суєта, марнославство»), дуже поширеному в живопису XVII століття.
Подібні картини були покликані нагадувати про тлінність життя, марності краси і земних задоволень і неминучості смерті.
Тут же представлено Ян Брейгель Молодший зі своєю алегоричній картиною «Достаток», яка зображує всілякі блага, які можуть випасти людині протягом його швидкоплинного існування на землі.
Наступний зал розповідає про іншу грань живопису XVII століття - пейзажі, який набуває в цю епоху більш натуралістичний характер, зберігаючи при цьому функцію фону для міфологічних чи релігійних подій. У той же час з'являються художники, у творчості яких пейзаж відіграє самостійну роль, кристалізується в автономний жанр.
Наприклад, у Яна Брейгеля Старшого зустрічаються «чисті» пейзажі без жодного розповідного елемента. Разом з тим багато художників північних країн (той же Ян Брейгель Старший, а також Ян Брейгель Молодший) звертаються в пошуках нових тем до сюжетів з повсякденного життя. Працюючи в Італії, ці художники навіть до зображення класичних сюжетів підходять нестандартно, приділяючи особливу увагу повсякденним реалістичним деталям.
Наступний зал знайомить нас зі своєрідними «коміксами» XVII століття: творами, в яких фрагментарно, кінематографічно зображуються окремі сторони однієї історії або події. Прикладом такого підходу може служити цикл Мурільо «Блудний син» або вивішена в сусідньому залі цікава серія Яна ван Кесселя Старшого, що складається з декількох десятків мініатюрних полотен, присвячених тваринного царства, архітектурі і пейзажам чотирьох континентів. Це ще й відображення повсюдного інтересу того часу до наукової класифікації всіх явищ.
Далі представлено пізніше декоративне бароко, в тому числі роботи Луки Джордано. Його релігійні картини на мідних пластинах демонструють легендарну віртуозну техніку цього художника.
Представлені також його парні кінні портрети Карла II і Марії Анни Пфальц-Нойбургская, в яких присутні риси алегорії (Віра в першому випадку і Достаток в другому). Ці парні портрети обрамляють вхід в перший зал, присвячений мистецтву XVIII століття. Тут на сцену виходить династія Бурбонів, яка прийшла до влади в Іспанії в 1700 році після смерті Карла II, останнього представника династії Габсбургів. Після того як іспанська престол зайняли Бурбони, при дворі починаються зміни, в тому числі і в області мистецтв: іспанських і італійських художників змінюють французи, розвиваючі жанр портрета.
Після смерті Карла III в 1789 році придворним художником Карла IV стає Франсиско Гойя, творчість якого добре представлено як в музеї Прадо в цілому, так і на даній виставці. Відомо, наприклад, його портретне полотно « Сім'я Карла IV »(1800), де монархи зображені надзвичайно правдиво, неформально, майже на межі гротеску, а не в дусі офіційного парадного портрета. Марія-Луїза Пармська (дружина короля Карла IV), фактично правила країною і повністю домінувала над слабким і нерішучим чоловіком, що не прикрашена художником ні в найменшій мірі. Більш привабливо королева, ще юна, виглядає на неокласичному портреті пензля німецького живописця Антона Рафаеля Менгса (1765).
З французьких живописців XVIII століття на виставці фігурує «співак галантних свят» Антуан Ватто, чиї роботи раніше знаходилися в палаці Ла-Гранха - улюбленої заміській літній резиденції Філіпа V під Мадридом. Останнє бурхливе десятиліття століття відзначено картиною Жана-Батіста Пільмана «Корабельна аварія», в якій природа постає грізною і величною силою, а тендітні людські істоти - лише іграшками в її руках.
У наступному залі можна побачити різні начерки для фресок, що призначалися для прикраси Королівського палацу в Мадриді в неокласичному стилі, заснованому на складних історичних алегорій. (Після того як колишня королівська резиденція, Алькасар, в 1734 році згоріла і було втрачено безліч творів мистецтва, був побудований новий палац в модному тоді стилі італійського класицизму). Картини Франсіско Байеу і його колег, навіть виконані у вигляді попередніх начерків, відрізняються досконалістю і закінченістю і, мабуть, високо цінувалися знавцями і купувалися як самостійні витвори мистецтва. Крім цих ескізів, на виставці демонструються ескізи фресок і вівтарних образів для прикраси церков і монастирів.
Інший зал дає можливість познайомитися зі своєрідним творчістю одного з найавторитетніших іспанських художників XVIII століття, Луїса Парета-і-Алькасара. В молодості він здійснив поїздку до Італії на кошти інфанта дона Луїса де Бурбона, а після повернення виконав для свого покровителя серію акварелей.
Парето-і-Алькасар віддавав перевагу вишуканим квітковим композиціям і інтригуючим галантним сценам придворної і театрального життя в дусі сучасної йому французької живопису. Доля Парета була тісно пов'язана з долею його покровителя. Художник навіть грав роль посередника в любовних справах інфанта, що призвело до його раптової висилку на кілька років в Пуерто-Ріко королівським указом Карла III (1775). До цього періоду відноситься «Автопортрет» Парета-і-Алькасара, в якому він повідомляє про своє сумному становищі і визнається в любові до мистецтва.
Особливий інтерес представляє недавно придбана музеєм Прадо невелика інтимна картина «Спляча дівчина», на якій Парето-і-Алькасар зобразив дрімає в гамаку жительку Центральної Америки. На виставці цю картину можна розглянути за допомогою камери-обскури. Глядач як би підглядає за дівчиною в замкову щілину - цілком в дусі інтимності і камерності самої картини і виставки в цілому.
У наступному залі ми дізнаємося, що монархи епохи Просвітництва віддавали перевагу не тільки монументальним фрескам, але замовляли художникам також вуличні сценки, картини народного життя і традиційних свят. Королям подобалося прикрашати цими полотнами свої заміські резиденції під Мадридом.
Більшість робіт цього жанру зосереджувалася на приємною стороні повсякденному житті або якихось цікавих модних захоплення, як, наприклад, овальна картина Джона Френсіса Ріго «Троє на повітряній кулі», яка зображує подорож на повітряній кулі секретаря Неаполітанського посольства Вінченцо Лунарді в компанії друзів (в 1784 році Лунарді здійснив перший у Великобританії політ на аеростаті).
У передостанньому залі можна побачити два портрета Гойї: один у вигляді бюста роботи італійського скульптора Гаетано Мірки (бл. 1795), інший - «Автопортрет» Гойї (1796/97), де художник зображений як складна особистість з уважним, які аналізують поглядом і закручений зачіскою генія епохи романтизму.
З інших робіт Гойї тут представлені, зокрема, ескіз картону для шпалери «Бійка в харчевні" У півня "» (+1777) - найбільш ранній з серії панно, що виконується художником на протязі декількох років для королівських резиденцій.
Серед інших ескізів Гойї, що призначалися для шпалер, варто виділити роботу «Луг Сан-Ісідро» (1814) з пожвавленим багатолюдним суспільством на природі і прекрасним панорамним видом на Мадрид.
Останній зал знайомить з малоформатними картинами XIX століття і нагадує строкату вітальню тієї епохи. Тут вивішені роботи самих різних авторів і жанрів. Одні, слідуючи за Гойєю, зображують таємничий світ іспанської вулиці, наповненою п'яницями, відьмами, маскарадними фігурами і проповідниками; інші зосереджуються на похмурих історичних сценах інквізиції; треті віддають перевагу світу вишуканих салонів і елегантних дам. Головною героїнею в мистецтві XIX століття, включаючи живопис і літературу, стає жінка.
Завершують експозицію роботи Маріано Фортуни, який пішов значно далі Парижа і Лондона, які вплинули на більшість іспанських художників того часу. Фортуни надихає екзотичний світ Марокко і вишуканість японського мистецтва.
уродженець Реуса , Маріано Фортуни був провідним каталонським художником свого часу, який завоював всесвітню популярність. Його захоплювали орієнталістські мотиви і історичний живопис. Нітрохи не гірше вдавалися Фортуни і замальовки колоритного іспанського побуту, традицій і звичаїв, сонячні картини півдня Іспанії.
♦♦♦♦♦♦
Використані джерела:
1. Виставка «Ув'язнена краса. Від Фра Анжеліко до Фортуни »в музеї Прадо, фоторепортаж
2. Інформація про виставку на офіційному сайті музею Прадо
3. Нова виставка в музеї Прадо
4. Музей Прадо в мініатюрі
5. Музей Прадо витягує на світло художні шедеври невеликого формату
6. Музей Прадо показує свою інтимну сторону